26 de febrero de 2013

¿Amaremos verdaderamente la verdad, o la disfrazaremos bellamente con el Arte?



Un cantautor español lo dijo una vez hace ya tiempo: nunca es triste la verdad, lo que no tiene es remedio... ¿Amaremos verdaderamente la verdad, o la temeremos silenciosamente? El Arte es muy posible que haya sido desde siempre un instigador inconsciente para eludir la verdad que nos rodea. ¿Qué pasó por la mente del primer ser humano primitivo que pensara entonces en idealizar una triste verdad con una belleza útil? Porque luego, sin embargo, los griegos inventaron la tragedia -una forma de arte- para purificarse de la vida y de sus molestias. Según decían, la experiencia teatral de la compasión y los miedos de sus representaciones dramáticas, provocaban en los espectadores la purificación emocional, física y espiritual que el alma humana necesitaba. Todas esas emociones representadas por entonces así para contrarrestar las pasiones o las acciones que la propia vida les hiciera padecer... Aunque, si comparamos las dos actividades culturales, el Arte como fenómeno plástico y el teatro como fenómeno dialéctico, el primero ha conseguido vencer al segundo a lo largo de la historia en valor, prestigio, reconocimiento o expresividad. 

Y eso, entre otras cosas, es probable que confirmase la idea de que, el Arte -representación artística plástica de la belleza como medio de ensalzar lo inalcanzable-, lo que persigue es hacernos el mundo menos convencional o menos material, menos sórdido o más sofisticado o más sublime. Más elevado, o admirado, o excelso, y, por lo tanto, absolutamente falso. ¿Nos recrearemos entonces en nuestra propia falsedad? En cuestiones sociales, o morales o políticas, ¿queremos saber la verdad, la única y desnuda verdad siempre?, o más bien abogaremos por un tranquilo, sosegado, acomodaticio y versátil modo de que las cosas sean... Cuando vemos una obra barroca del naturalismo más feroz de creadores tan dramáticos como Rubens o Caravaggio, ¿pensaremos en verdad que la sordidez de su denuncia soterrada es más importante que la belleza que destilen sus colores, sus formas o la elegante y brillante manera de encuadrar una imagen en sus lienzos? Porque esos pintores extraordinarios trataron de reflejar una sociedad que en nada era ideal, ni maravillosa, ni bucólica o cantarina... Pero, ahora, sin embargo, cuando visionemos esas obras barrocas tan dramáticas, ¿qué sentiremos, verdaderamente, al verlas..?

(Óleo La Masacre de los Inocentes, 1612, Pedro Pablo Rubens, Galería de Arte de Ontario, Toronto, Canadá; Óleo Judith y Holofernes, 1599, Caravaggio, Galería Nacional de Arte Antiguo, Roma, Italia.)

10 de febrero de 2013

La creación del Arte, dos cosas muy diferentes para hacerlo: la ideación y la ejecución.



¿Qué pasaría por la mente del hombre que por primera vez quisiera ver Arte sin saber hacerlo él mismo? ¿Qué emoción no dejaría de vibrar en su interior al comprender la extraordinaria habilidad de otros seres en realizar aquello que sólo él ahora pudiera admirar desinteresado? ¿Cuándo comenzaría la idea obsesiva de procurar ver Arte? Desde que los primeros poetas griegos compusieran sus odas poéticas, hasta que los romanos continuaran luego con ese aprendizaje lírico después, todas las dedicaciones al Arte -promotoras o ejecutoras- fueron sólo ocasionadas por la clase social alta o acomodada. Sólo ellos podrían por entonces recrear las emociones que los otros -los desheredados- ni si siquiera pudieran imaginar en su vida. El noble romano Cayo Mecenas (70 a.C.-8 a.C.), amigo del emperador romano Octavio Augusto desde sus tiempos de aspirante al imperio, auparía al olimpo de los exclusivos del Arte lírico a los excelsos poetas Virgilio y Horacio. Con Mecenas comenzaría aquella dedicación desinteresada de fomentar la creación artística de otros. Aunque éstos -como Horacio- podían no pertenecer a la clase alta, sí acabaron rodeándose de ese círculo elitista para medrar -justamente- entre las más altas cumbres de la creación poética. 

Y así continuaría la historia hasta que el mundo clásico romano cambiara para siempre. Aurelio Casiodoro (485-580) fue un romano que vivió en aquellos tiempos convulsos donde se produjo la primera revolución social de la Historia. Fueron aquellos tiempos en donde el mundo dejaría de ser pagano para convertirse oficialmente en cristiano. Perteneciente Casiodoro a la casta senatorial romana, su pasión por la cultura y las artes -las liberales, aquellas que cultivaban el intelecto frente a tareas manuales o guerreras- le llevaría a ser gran admirador de la creación literaria y retórica más elaborada. Ambas artes (literaria y retórica) las utilizaría él mismo en su periodo político en la ciudad de Rávena, aquella otra Roma replicada entonces para huir la corte de los convulsos, difíciles y finales años del decaído imperio romano. Casi todos los aristócratas romanos de entonces -siglo VI- eran cristianos, aunque no sentirían tal vez un especial interés por lo religioso. Pero, pronto cambiaría algo en su interior desasosegado, algo que haría cambiar a todos aquellos romanos menos insensibles. Aquellos años fueron muy difíciles para Italia, se padecerían duros enfrentamientos con los bárbaros o con los bizantinos. Roma estaba permanentemente asediada y trastornada. La presión social era insoportable para esos espíritus elevados. Fue quizás por entonces una salida, más mental o psicológica que otra cosa, a un desagradable problema social inevitable el acercarse a una espiritualidad diferente... Porque sería imposible respirar a esos espíritus cultivados la atmósfera tan asfixiante de Roma por entonces.

Tanto llegaría la decidida conversión piadosa -y artística- del romano Casiodoro que acabaría creando un monasterio en Italia en el año 555. Allí se retiraría él mismo, lejos de las convulsas luchas sociales, para dedicarse a la promoción de aquellas Artes liberales. En ese monasterio se refugiarían además otros seres desesperados, no ya tan elevados como él, seres entonces desheredados, pero, sin embargo, todos ellos seres decididos a conservar y potenciar la cultura más allá de ese terrible desorden social y decadente. Un lugar donde ellos además no tendrían que preocuparse por su manutención o cuidado. De ese modo terminarían siendo todas las clases sociales las que acabarían transmitiendo aquel antiguo saber clásico, tanto de textos sagrados como de paganos. Esto es un hecho extraordinario: el cristianismo incorporaría a la sociedad trastornada de aquellos años -independientemente de su origen social- la posibilidad de desarrollar sus propios talentos, algo que, luego, supuso en la historia el desarrollo paulatino de la oportunidad del mérito personal frente a la sangre...

El cristianismo, por lo tanto, transformaría el destino elitista exclusivo de la recreación artística... Siglos después, cuando el Renacimiento terminara siendo otra gran revolución habida en la historia, la Iglesia también -nos guste o no- fomentaría y apoyaría el Arte más maravilloso jamás creado, ese Arte que ojo alguno nunca hubiese antes podido siquiera contemplar. Cuando a finales del siglo XVI el cardenal italiano Odoardo Farnese -hijo del gran Alejandro Farnesio, nieto bastardo del emperador Carlos V- decidiera decorar su extraordinario palacio romano con la más maravillosa belleza pictórica del momento, buscaría un pintor desconocido por entonces pero muy prometedor, Annibale Carracci. Este pintor del Barroco inicial italiano fue muy atrevido para entonces, y sus alardes artísticos no ocultarían la mayor sensualidad representada y reconocida luego en el mundo del Arte. El curioso cardenal Farnese deseaba así poder admirar aquellos voluptuosos y hermosos cuerpos desnudos -gracias a la Mitología y al Arte- sólo para él, lejos entonces de las miradas reaccionarias y obtusas de las carcas mentes pecaminosas de finales de aquel siglo artísticamente primoroso.

¿Qué hizo que El Greco pudiera acometer su especial y manierista creación artística en sus inicios, a pesar de no haber sido del agrado del mayor de sus mecenas -el rey español Felipe II-? Su viaje a Italia durante el año 1570 fue providencial, pues acabaría conociendo al miniaturista Giulio Clovio, un artista muy influyente que terminaría apoyando en Roma al gran pintor cretense. En esos círculos artísticos romanos, muy atrevidos para entonces, El Greco conseguiría así destacar con una creatividad muy sublime y original, algo que culminaría tiempo después en España, en la creativa ciudad de Toledo, durante los años de mayor alarde compositivo de este extraordinario pintor. Los ambientes regios que el genial Goya frecuentara en la corte española de finales del siglo XVIII, tuvieron con él una extraordinaria labor de mecenazgo artístico. Uno de los personajes más curiosos de la familia real española que más le apoyaría -uno de sus mejores amigos- lo fue el infante Luis Antonio de Borbón (1727-1785). Hijo menor del viejo y longevo rey Felipe V, este infante español se enfrentaría con el círculo más arcaico y reaccionario de la corte. Dejaría la vida religiosa -a la que le habían dirigido desde su niñez- para casarse ahora con una mujer ilustrada y moderna, treinta años menor que él. Una de sus hijas -retratada por Goya- acabaría siendo la esposa del fatídico político y gobernante español Godoy.

Pero muchos años después, otros afortunados creadores, los que comenzaron a principios del siglo XX con el invento del cinematógrafo, acabaron siendo como aquellos privilegiados artistas -Velázquez o Rubens- del Arte que pudieron componer sus obras sin necesidad de nadie. Así nacieron directores de cine que produjeron sus propias y geniales obras. Hasta que las productoras llegaron luego... y lo cambiaron todo. Entonces, para ese momento, la creación cinematográfica se escindiría por completo. Ahora se idearían obras por unos productores que otros -los directores- realizarían con sus formales métodos técnicos. ¿De quién, entonces, era la autoría real de la creación terminada? El gran director Orson Welles lo fue de todo: crearía, idearía, realizaría, promovería y disfrutaría con toda su obra cinematográfica. Algunos otros directores sólo acabaron, a cambio, desarrollando lo que otros cineastas pensaron antes que ellos, o idearon de verdad... Muchas de las obras clásicas de cine que hoy vemos y admiramos en la pantalla no fueron creadas por la mente inicial de un director. No. Fueron otros, olvidados incluso, los que quisieron que aquello se hiciera de ese modo, fuera como fuese... Que ese arte visual pudiera vivir, existir y verse así, y que acabara, al fin, resurgiendo más allá de las insinuadas maneras de poder llegar, técnicamente, a colegir o producir una creación artística determinada.

(Obra Mecenas presentando las Artes a Augusto, 1745, del pintor italiano del barroco final Tiépolo, Museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia; Óleo Retrato de Giulio Clovio, 1572, del pintor El Greco, Italia; Fresco del techo del Palacio Farnese, Roma, 1595, Annibale Carracci; Cuadro Venus con Sátiro y Cupido, 1588, de Annibale Carracci, obra muy atrevida del pintor barroco italiano; Fotografía del genial cineasta Orson Welles; Cuadro Retrato del infante Luis Antonio de Borbón, 1783, Goya; Magnífico óleo de El Greco, de su época romana, La Piedad, 1576, Colección norteamericana, EEUU.)

5 de febrero de 2013

La imagen es capciosa, puede enmascarar la verdad tanto como potenciarla.



Uno de los lienzos más grandes -en dimensiones físicas- del mundo del Arte es probablemente Las bodas de Caná, del pintor veneciano Paolo Veronese. Se encuentra este enorme lienzo en el museo parisino del Louvre. Es impresionante presenciarlo en una sala no muy grande, además. Porque es imposible mirarlo apropiadamente en solo un momento de visualización -el que se utiliza más o menos en un museo-, pues sólo podrá presenciarse un poco y desde muy lejos... Hay que distanciarse mucho para apreciar así su majestuosidad y la gran obra maestra de Arte que es. Son casi diez metros de anchura y siete de altura. Para estas dimensiones se precisaría todo un medio día quizás para disfrutar adecuadamente de toda su visión. Para aquel que desconozca las dimensiones reales del lienzo de Veronese, la sorpresa al verlo por primera vez es también enorme... Se suelen conocer las obras de Arte por sus reproducciones iconográficas o sus imágenes en libros o en estampas o en grabados, pero la verdadera dimensión de algo, si se desconoce -y es lo más normal-, nunca se llegará a saber bien hasta que no se tope uno con la realidad de lo que eso es verdaderamente.

Por lo tanto, la imagen desubicada, es decir, la representación trasladada de su soporte original, de su sentido original -objeto real traspasado a algún otro tipo de medio visual-, dejará por completo de ser fiel a lo que su esencia verdadera es, a lo que en verdad quiso el creador hacer y componer con ello. La falsedad o la torticera parcialidad de las cosas llega a alcanzar entonces niveles de engaño sublime para quien quiera conocerlo. Porque puede confundir a cualquiera. Por eso la frase de una imagen vale más que mil palabras puede ser o no verdad en comparación con la descripción literal -también capciosa- de lo que representa, porque ésta -la descripción real- puede no ajustarse tampoco a la realidad de lo que su visión ahora nos proporcione. Cuando al pintor cretense Doménikos Theotokópoulos -El Greco- le pidieron que crease una obra sobre la flagelación de Cristo antes de su pasión, el gran autor manierista español llevaría a cabo una de las más maravillosas obras de Arte realizadas jamás sobre ese tema en la historia. Nada parece en el lienzo que tenga que ver con una flagelación... El mismo Jesucristo incluso se muestra aquí satisfecho ahora ante los seres que, aparentemente, van a maltratarle, torturarle o herirle, dura, despiadada y brutalmente. Pero, claro, ¡esto es Arte!, lo único que puede permitirse la desvirtuación de la realidad desde supuestos y paradigmas que sólo obedecen al propio Arte.

Es como la obra del año 1650 Retrato de madre del pintor Rembrandt. Al parecer, es la madre del artista. Aunque su rostro no parece ni el de una madre, ni el de una anciana, ni el de una mujer siquiera. Aquí el gran pintor barroco holandés llevará a cabo su virtuosismo como dibujante a niveles extraordinarios. Para él, eso es lo importante: el Arte. Lo demás, la verosimilitud idealizada de un personaje, no es lo que le interesaría para nada. Aun a pesar de desfavorecer a la modelo, en este caso su propia madre. Pero, claro, el Arte puede utilizar como quiera sus recursos especiales para elaborar una creación... Los creadores no buscan significar la representación exacta de la cosa, sea ésta la que sea. No, los creadores crean simplemente Arte. Pero, sin embargo, éste, el Arte, se diferenciará de la imagen torticera en que ésta tiene un objetivo evidente o disimulado: resaltar parte de la verdad de un modo interesado. Y parte de la verdad nunca será la verdad. No, no lo es nunca. Porque para comprenderla, para conocer así completa, real, auténtica y absolutamente la verdad, es preciso presenciar o estar junto al objeto en cuestión, mirarlo ahora, frente a frente, desde diferentes perspectivas o visiones laterales. Unas visiones que entonces nos harán comprender ya, sin error, la verdadera naturaleza de lo que ahora estamos observando.

(Óleo Las Bodas de Caná, 1563, Paolo Veronese, Museo del Louvre, París; Cuadro El expolio, 1579, El Greco, Catedral de Toledo, España; Retrato de Madre, 1650, Rembrandt; Fotografía de la actriz y cantante norteamericana Jennifer López, ¿desarreglada?; Fotografía de la misma actriz en otra representación; Fotografía de la Alameda de Hércules, Sevilla, Huelga de Basuras, Febrero 2013; Fotografía de la misma Alameda, Sevilla.)

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